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El París de Amelie, su particular país de las maravillas



Amelie es uno de esos clásicos de la historia del cine sobre el que no hay término medio, tanto para el gran público como para un espectador a título personal, se trata de una filmación que o se venera como si fuera la mejor producción jamás realizada. O por el contrario su título forma de cualquier top que reúna las movies más odiadas y denostadas.


De hecho si consultas estadísticas como las que hacen referencia a la taquilla estamos ni más ni menos que ante la cuarta película de habla no inglesa con más recaudación de la historia, alcanzando una cifra de más de 130000000 millones de euros y cerca de 23000000 millones de espectadores. Cifras abrumadoras y que en principio pueden desconcertar, pero si tenemos en cuenta que el relato detrás del guión nos sumerge en una historia donde su protagonista la actriz Audrey Tautou.

Encarna a una chica que se crea un universo propio a traves del que trata evitar el trauma que le causó un entorno familiar, digamos, disfuncional. Dominado por una figura paternal severa y por momentos autoritaria. Situación que provoca que decida finalmente emanciparse, proceso que coincide con los acontecimientos mundialmente conocidos, por los que Lady Di fallece en un accidente de tráfico mientras huía de una corte de paparazzis.

Hecho que provoca un profundo shock en Amèlie Poulan que en un momento determinado se crea una coraza de ficcion, trasladándose como Alicia en el país de la maravillas a un lugar diseñado a la medida de sus deseos donde ella se siente segura y protegida. Elementos representados en una diversidad de formatos y en innumerables ámbitos creativos, una fábula a partir de la que se pueda analizar la conducta del sujeto.

Y que al ser presentado en un formato narrativo y visual accesible permite que casi cualquiera persona independientemente de su edad o estatus social, pueda sentirte en mayor o menor grado identificado con las experiencias de alguien que para obtener unos mínimos ingresos se emplea como camarera en un viejo café parisino. Por cuyas puertas cruzan cada dia multitud de clientes.

Entre los cuales hay una galería de perfiles que obedecen a la causas más variopintas. Secuencias acompañadas por la banda sonora creada por un prácticamente desconocido Yann Tiersen. Melodías que describen lo peculiar de una personalidad. La de alguien que encuentra su particular puerta de salida que le permite evitar el peso del vacio y realidad pasando a otra dimension.

Facha de la frutería Maison Collognie donde Amélie realiza sus compras


En el cuarto de baño, donde por casualidad, escondida una caja que atesora los recuerdos de un niño. El cual la escondió allí cuatro décadas antes, acto revelador que propicia en Amèlie la firme determinación de embarcarse en la "odisea" de buscar a su legítimo dueño para devolverle aquello objetos que han permanecido en el anonimato hasta que ella los desempolvo, congelados en el devenir del tiempo conservándose prácticamente intactos.

Peripecias cuya trama nos permite como espectadores descubrir algunos de los pasajes, que forman de la parte más bohemia de la capital francesa. Localizaciones que no por resultarnos (en buena parte familiares) nos dejan de fascinar, pasajes a los que en la mayoría de las ocasiones no sabemos ponerles nombres y apellidos y mucho menos emplazarlos en su ubicación exacta, ni siquiera rastreandolos sobre un mapa.

Aunque en el caso de los responsables de producción que seleccionaron todos y cada de los puntos que se utilizaron como sets de rodaje, se decantaron finalmente por una cuestión de presupuesto por reducir drásticamente las distancias entre ellos. Por lo que es relativamente que los numerosos fans de las aventuras de Amelie, puedan recorrer sin por ello hacer un derroche de recursos.


Amélie es un clasico del cine que cuenta una historia de iniciacion donde el distrito de Monmattre contribuye a crear una atmosfera casi mágica para un film mitico. 


Pudiendo trazar un nexo de unión entre los diferentes lugares donde se filmaron las escenas, presentando un radio de acción relativamente corto, pues buena parte de ellos se encuentran en el Distrito VIII, más concretamente en el archiconocido barrio de Montmartre. Empezando por el Canal Saint-Martin, a cuyas riveras se escapa cada que puede para lanzar cantos rodados y verse reflejada en las aguas que cubren una distancia de cerca de cuatro kilómetros y medio, discurriendo su cauce entre los Distritos VIII y XI.


Quizás el primero de estos lugares iconicos sea por ponernos en contexto las sillas de madera y el toldo parcialmente inclinado del Café des Deux Moulins Situado en la calle Rue Lepic, detrás de cuya barra se afana una camarera inexperta en servir a los clientes, tanto a los asiduos como a los esporadicos. Un lugar que no deja de ser entrañable, cuya traduccion  significa "dos molinos de viento", denominación inspirada sin duda por la proximidad del Moulin Rouge y Moulin de la Galette. 


Muchos de los eventos más importantes de la película transcurren en este café y sus rincones complices, como por el ejemplo el rincón donde casi de forma furtiva se despacha el tabaco y artículos como mecheros, chicles y golosinas. Garita que es un territorio casi sagrado en el que además de ganarse la vida parece residir Georgette, uno de los personajes más emblemáticos y entrañables que interviene a lo largo de la cinta. Como anecdota comentar que en una de sus paredes hay un cartel de la pelicula.

Interior del Cafe des Deus Moulins lugar familiar y de encuentro par los seguidores de la pelicula 


Aunque en ninguna toma se ve que utilice medio de transporte alguno, la presencia del ferrocarril como unificador es un elemento que está muy presente en el metraje. Primero con las escenas rodadas en La Estación de Este. Terminal que cuando entró en funcionamiento en 1849 prestaba tan sólo servicio a través de dos vías y un anden, que unía a la capital de la luz con Estraburgo. Y en segúndo lugar por que Amelie encuentra un álbum de fotos tamaños carnet realizadas en el fotomaton de la estación, el cual pierde de forma fortuita Nino. Un joven que gasta su tiempo libre coleccionando estos pequeños retratos urgentes. Muchacho del que se enamora en el mismo instante que le ve, y el cual para ganarse la vida se dedica a (entre otras cosas) a trabajar en el Tren del Horror, empleo que complementa con los ingresos que obtiene en un sex shop.


Mientras que en la monumental Estación del Norte inaugurada en 1864, instalaciones por las pasan cada jornada más setecientas mil personas, aglomeración de gente que supuso todo un reto para el director Jean-Pierre Jeunet y su equipo. Que hasta ese momento no había rodado con más que unas decenas de operarios incluyendo los actores y extras. Rodando una escena en la que tras un fortuito encuentro con el joven con el que ya se había encontrado en la estación del Norte un par de días antes dandose a la fuga perseguido por un usurero.


Aunque hace más dos décadas desde el estreno de esta comedia protagonizada por Amélie, una joven de aire ingenuo que sin embargo representa una influencia para aquellos que forman parte de su círculo de amistades. Donde el paisaje urbano es tan sugerente como el humano, permitiendote recorrer aquellos lugares del rodaje más significativos y empatizar con su relato.

Nuestra siguiente escala aunque no tan monumental si nos embriagara con sus olores y sabores locales, con más de cien años de actividad la famosa tienda de comestibles Maison Collignon que se encuentra a la altura del número 56 de la Rue des Trois Frères, en la intersección con Rue Androuet. Un lugar situado en pleno corazón de Montmartre que te ofrece el género a pid de calle, aparte cuenta con un colección de objetos utilizados como atrezzo durante el rodaje.


Aunque se dudo hasta el último momento finalmente se incluyo el Santuario del Sagrado Corazon, uno de los monumentos más visitados de la capital frances. Más concretamente la escena donde se cita con Nino arranca a los pies de la basilica al lado del tío vivo, cuando Amelie le llama para darle instrucciones que el cumple aunque se muestra desconcertado. Tras subir a la primera terraza y verla a través de un visor que hay en el mirador desciende a por su álbum de fotos mientras observa la escena tras unas gafas de sol.



  
En el tramo final de este breve recorrido donde como ya hemos visto el paisaje arquitectónico desempeña un papel destacado, estando muy presente a lo largo de sus casi dos horas de metraje. Sin embargo este homenaje arquitectonico se rompe cuando la cámara se adentra en las instalaciones del parque de atracciones Foire du Trône, donde el paisaje cambia radicalmente. Áreas arboladas y jardines sirven como emplazamiento para que las atracciones y casetas tomen un sitio casi mágico donde Amélie recorre arropada una cita festiva que se estima tiene una datación de cerca de mil años de antigüedad. Teniendo lugar en Bois de Vincennes entre abril y mayo, aquí es donde Amélie va a ver a Nino, que trabaja en el tren fantasma. Un momento silencioso de ambigüedad entre los dos que ocurre cuando Amélie viaja en el tren fantasma y recibe una caricia de Nino, que está vestido como un esqueleto.


De vuelta a Montmartre, de camino al apartamento donde reside Amélie en el número 56 de la Rue des Trois Frères, ascenderemos por Rue St. Vincent. Que aunque parezca increíble fue un viñedo cientos de años atrás, cuando la mayor parte del distrito eran huertas. Siendo el lugar donde se inicia la película que cuenta las desventuras de una serie de personajes que tratan de evadirse de una realidad que en muchos casos les es ajena e incomprensible.


Federico Babina, una historia del cine a traves de las ilustraciones de sus directores mas iconicos


Contemplando los retratos cinematograficos de Federico Babina te preguntas hasta que punto la filimografia de un determinado director ha influenciado en la estetica de su creador y viciversa.


Como en otras muchas series dedicadas a los mas diversos temas, aunque a mi me atraen aquellas en las que inspirado por disciplinas creativas Babina se sumerge en la personalidad de los personajes retratados, creando ilustraciones que desconstruyen su obra a traves de aquellos elementos por los que se hicieron Universalmente conocidos.

Así por ejemplo en la serie titulada Archits City dedicada a reflejar la vida y obra de algunos de los mas representativos artistas plasticos del Siglo XX recurre a una estetica donde combina la corriente artistica por la que fue conocido con su interpretación  (en este caso arquitectonica.) De esta forma la villa que hubiera diseñado Picasso seria una version adelantada en el tiempo de algunos de los muchos edificios firmados por Frank Ghery el mas vanguardista de los arquitectos.


El retrato de Orson Wells recuerda por su atmosfera taciturna a los retratos del Greco

Y la casa soñada por Andy Warhol el maximo representante del Pop Art se traduciria en una vivienda de corte Modernista, en la que destacaria la fachada con una hilera de ventanas que tintadas en colores vivos reflejaria el espiritu hedonista y trangresor de su residente.

O en secuela, la serie Archidesign  en la que introduciendo una atmosfera  producto de combinar la estetica zen con la de la novela negra, Babina reproduce una sinergia similar que en la anterior pero en esta ocasión  realiza una analogia en el que la arquitectura de por ejemplo LeCorbusier se adapta a los criterios de un diseñador y tambien arquitecto contemporaneo como Van Der Rohe, en plena efervescencia creativa como  los hermanos Bouroullec.

Realizadas desde principios conceptuales diferentes las series de ilustraciones Archidirector, como la de retratos Directportrait de Federico Babina, rinden homenaje al mundo del cine a traves de una seleccion de sus principales directores.
   


En el caso de la serie de 2.018  titulada Directportrait aunque reedita algunos directores como Hicthcock, Lucas, Fellini o Bergman aparecidos en Archidire de 2015. Serie dedicada a rendir homenaje a algunos de sus directores de cine favoritos, Babina se centra en realizar retratos donde los rasgos de los nombres seleccionados se completan con objetos que hacen referencia aquel titulo emblematico que le catapulto al estrellato convirtiendole en un mito del celuloide.

Siendo un trabajo que complementa a las 28 laminas que componia Archidirector, y con las que Babina completaba un proyecto en el que tomando la arquitectura como hilo conductor mostraba su propia versión de diferentes corrientes arquitectonicas que marcaron la profesión en los ultimos cien años. 

Lamina perteneciente a la serie Archidirector dedicada al director de cine Tim Burton

Hibridandolos paralelamente con otras tantas manifestaciones creativas cuyo aparición y apogeo tuvieron lugar en la misma linea de tiempo, dando como resultado la creación de una versión hipotetica e intermedia de lo que finalmente conocemos. 


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Hay otros que se suman a tan ilustre galeria de maestros del celuloide (casi todos mas proximos en el tiempo), como son Tarantino, Almodovar o Allen, compartiendo casi todos una caracteristica comun aparte de la que (mas o menos) pertenecen a la misma orbita generacional. 


Siendo que su filimografia que comenzo con titulos que se consideraron en su momento ajenos a los canones del cine mas comercial, siendo calificados por un amplia mayoria de criticos como producciones alternativas, o directamente de culto. Ampliamente con el tiempo han pasado formar parte del selecto grupo de directores que conforman los pioneros del mundo del cine,  siendo retratados por Babina (como en una mayoria de sus encargos,) utilizando una gama de colores fuertes e intensos, con los que obtene unos semblantes que destacan por su dramatismo y donde el objeto que los acompaña simboliza su carrera. 



JUMP INTO THE FUTURE:


For his latest series entitled ARCHYOGA published this 2023 the graphic designer and graphic illustrator Federico Babina of whose singular works we have already offered you samples that you can see HERE and HERE. It combines the body language of yoga adapting the asanas to a diversity of architectural typologies. For this occasion he has also created an animated version that you can see from this LINK. A piece that visually maintains a lyrical yet intense rhythm thanks to the collaboration of the composition of the musician Cesc Miralta, who has created harmonious chords endowing the volumes with an evocation and symbolism that emerge when the human body interacts with the space on which it acts.



ALSO IN SPANISH:

Para su ultima serie titulada ARCHYOGA publicada este 2023 el diseñador gráfico e ilustrador gráfico Federico Babina de cuyos singulares ya os hemos ofrecido muestras que podéis verá AQUI y AQUI. Combina el lenguaje corporal del yoga adaptándolo las asanas a una diversidad de tipologías arquitectonicas. Para esta ocasión además ha creado una versión animada que podéis ver desde este LINK. Pieza en la que visualmente recurre a una narrativa coreográfica que mantiene un ritmo lírico a la vez que intenso gracias a la colaboración del composición del músico Cesc Miralta,  que ha creado unos acordes armoniosos dotando a los volúmenes  de una evocacion y simbólismo que afloran cuando el cuerpo humano interactúa con el espacio sobre el que actua. 




Procida, la isla de cine en Napoles


Según un pasaje de la mitología griega la isla de Procida a escasos cuatro kilómetros de la costa italiana de Napoles fue creada en época clásica fornando parte de las islas Flégreas cuyo significado en griego es Pithecussae, esto es, Islas de los Simios.


El mito, de origen griego, relata de hecho que dos bandidos Cercopes de Éfeso  (traviesas criaturas de os bosques), haciendo burla de Zeus, fueron de esta forma castigados, transformados en simios y relegados en las islas de Aenaria (Isquia) y Prochyta (Prócida).

La verdad como siempre es que los primeros pobladores de esta isla perteneciente al archipiélago de las Flegreas a la que se llega a través de ferry (-aunque también tengo entendido de que existe un servicio regular por aire), fueron micenicos (entre otros muchos). Siendo víctima durante el siglo XIV del saqueo por parte de los vándalos, incorporándose definitivamente  a la región italiana de Campania.
 

Un trozo de tierra anclado en definitiva en frente de la costa Amalfitana de apenas 0.4 de superficie cuyo interés turístico ha sido hasta relativamente poco tiempo secundario, estando siempre a la sombra de la omnipresente y glamurosa isla de Capri. Destacando quizás solo, por su excelente oferta gastronómica en la que además de su selección de pastas.
Vista general de Procida y su puerto a media tarde

Podemos degustar las variantes mas contundentes del limochello (un licor que se consume de forma habitual en buena parte del área que comprende la isla de Sicilia y el Sur de Italia, y que hecha a partir de la fermentación del zumo de limón presenta una alta graduación), y una selección de los mejores pescados que cada día se capturan empleando técnicas de pesca artesanales, siendo desembarcadas cada tarde al caer el Sol por pequeños pesqueros locales.
 

Para se subastados en la pequeña lonja del puerto local pudiéndose degustar en uno de los muchos restaurantes que hay a lo largo del paseo marítimo de Marina Grande o en menor numero situados en la principal vía de la isla, la calle Roma, que entre sus llamativas casas coloradas ofrecen menús relativamente económicos, formando parte  de su casco histórico conocido como Terra Murata.
 

La isla de Procida frente a la ciudad de Napoles es la gran desconocida  de las tres que forman el archipielago de las Flegreas, pero que sin embargo ofrece no solamente turismo turismo de Sol y playa, sino naturaleza y cultura.     

Pero que desde que fueron elegidas diferentes localizaciones para convertirse en el set de rodaje de películas como El Cartero» en italiano «Il Postino» dirigida por Massimo Troisi, film conmovedor y lírico donde los haya que nos narra un episodio de la vida del poeta chileno Pablo Neruda, en la que describe la relación de este con un cartero que de forma periódica le acerca el correo.
 

Vista parcial de la Piazza Martiri, set de rodaje del Talento de Mr. Ripley

Y la inquietante superproduccion encabezada por el actor norteamericano Matt Damon que bajo el titulo El Talento de Mr. Ripley,  cinta realizada a partir de una adaptacion de la novelista Patricia Highsmith, situaba una de sus mas famosas escenas en uno de los muchos miradores. Mas concretamente en el que hay situado en la Piazza dei Martiri, en la que cada hora se pueden escuchar el repicar de campanas que hacen sonar desde el interior de iglesia de la Madonna delle Grazie.
 

Pero por si esto no fuera suficiente atractivo y nos apetece darnos un chapuzón, nos podemos acercar a una de sus numerosas calas compuestas de arena negra como la de Spiaggia della Chiaiolella, o visitar el islote de Isola donde se ha creado un espacio natural protegido y que llama la atención por presentar una forma de media luna con la cresta de restos de un antiguo cráter volcánico, que forma parte de los Campos Flégreos.
 

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Pudiéndose divisar la mayor parte del perfil de la isla que se extiende sobre el mar, o una de las muchas barcas varadas en la arena, que despiden ese olor característico a salitre que todavía se puede percibir en cualquier pequeño puerto que visites de la costa mediterranea al caer el Sol a media tarde, cuando los bañistas se disponen a dar por finalizada otra jornada de toalla, protector solar y sombrilla.


Syd Mead el creador visual de Blade Runner


Controvertido como pocos si hay un termino que define la trayectoria de mas de cincuenta años del diseñador industrial Sydney Jay Mead mas conocido por el seudónimo de Syd Mead, es de creativa. 

Aunque oficialmente comenzo su  carrera en el departamento de diseño de la constructora de vehículos Ford,  donde se le presumía un gran futuro como principal desarrollador de la nueva linea de vehículos que conducirían la nueva clase media American que ávida de consumo se desperezaba a principios de la década de los años 70´s del siglo pasado.

Sin embargo el bueno de Syd pensó que el destino no estaba escrito de antemano y decidió abandonar su puesto ejecutivo en la compañía automovilística, y montar su propio estudio de diseño, que tras un titubeante inicio como ilustrador de libros dirigidos a un publico  predominantemente infantil.

Enseguida llamo la atención de los grandes estudios de cine de Hollywood por su poderosa imaginación, para los que realizo numerosos encargos,  al comienzo aceptando pequeños proyectos que no transcendían en nada.
 
Prorotipo original diseñado por Syd Mead para el film Blade Runner

Para a mediados de lo que podríamos denominar su década prodigiosa realizar algunos de los diseños mas iconicos de la historia del cine, comenzando por los que quizás se consideren hasta aquella fecha los diseños de vehículos mas avanzados a su tiempo.

Y  es que los coches utilizados en el set de rodaje de la película Blade Runner, supusieron una innovación no solamente en términos de diseño sino que estábamos ante los primeros vehículos que violando las leyes de la termodinámica despegaban las ruedas del suelo en vertical se elevaban y tras levitar durante unos segundos.

Salia disparado a surcar el espacio hasta llegar mas alla de Orión, donde un caza recompensas interestelar tenia como principal misión reducir a un replicante que había tenido la odisea de cuestionar su condición de androide. Aunque siempre será recordado este antecedente.
 



Las colaboraciones del diseñador Syd Mead en diferentes producciones de Hollywood durante la década de los 70´s y 80´s del Siglo pasado permitieron producir algunas de las películas mas iconicas de la historia del cine.



  
El cuadro Halcones de Medianoche de Edward Hopper fue una inspiración para el director de la película y Syd Mead

Hay que mencionar que Syd también tuvo la oportunidad de involucrarse en otras muchas producciones de ciencia ficción, a través de las que dejo constancia de su capacidad para diseñar los medios de desplazamiento con la prestaciones mas sorprendentes que te puedas imaginar.

Entre estas colaboraciones se pueden citar Star Trek (1978), la primera versión de Tron de 1980, o Alien de 1985 para la que diseño el robot Jhonny 5, habiendo un parón de casi de tres décadas en cuyo transcurso Syd coqueteo con otros ámbitos creativos como el incipiente mundo de los video-juegos o la animación.
 


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Hasta que en 2005 participa en la tercera entrega de la saga Misión Imposible para finalizar su carrera poco antes de morir en la continuación de Blade Runner 2049, secuela estrenada en 2016 y donde participo actualizando los diseños de la primera entrega

Aunque sin duda será Blade Runner por la que Syd será recordado película por cuya ambientación ha sido comparada con Metrópolis (1927) de Fritz Lang,  y su inspiración art déco  aunque también tiene influencia del cuadro Nighthawks (1942) de Edward Hopper. Ridley Scott contrató a Syd Mead como artista conceptual con el que que además compartia afinidades lecturas relacionadas con los cómics de la revista francesa de ciencia ficción Métal Hurlant (llamada Heavy Metal en EE. UU.)






El documental Face and Places navega entre encuentros, retratos y paisajes de la memoria


Hace poco mas de un año se estrenaba uno de los documentales mas interesante de las ultimas temporadas, producto del encuentro (termino que se repetirá varias veces a lo largo de este post) de la directora de cine belga Agnes Varda y artista urbano JR.

Titulado Faces and Places (rostros y lugares), al fin y al cabo supone un relato en imagenes a traves del retrato, del encuentro o re-encuentro (según la perspectiva temporal, cronológica y generacional que se aplique) de una cineasta que se encuentra en el ocaso de su carrera y que ha cultivado con habilidad inusitada sus facetas.  

Primero como musa de un movimiento cinematografico como fue el de la Nouvelle Vegue a finales de los años 50´s del Siglo pasado, del que enseguida se emancipo para pasar a convertirse en figura de culto, quizás la ultima de toda una corriente de realizadores que órbitan y nutrieron algunos de los acontecimientos sociales y políticos del los últimos 60 años.


UNA INTERPRETACIÓN INTERGENERACIONAL DESDE DOS PERSPECTIVAS DIFERENTES
 
Y es que aunque su filmografia no adolece precisamente de poseer lo que se podría considerar una impronta o contexto político, si se observa un fuerte compromiso social sobre todo con aquellos extractos de la sociedad, que casi siempre y sobre todo en la actualidad suelen ser tratados de forma secundaria.

O cuando menos bajo una óptica naif, de esta forma en Faces and Places, se retrata con obreros en una factoría, con granjeros que denuncian como el entorno rural en Francia esta siendo paulatinamente desmantelado fruto de unas políticas nefastas, que están provocando que muchos de los pueblos y aldeas estén practicamente despoblados.

O con mujeres que con las que en muchos casos se reencuentra retratandose juntos en grandes murales en blanco y negro, siempre bajo la mirada atenta y enfoque de JR con el comparte en un furgoneta algo mas que una experiencia nómada, donde se mezcla el trabajo en un entorno creativo rodeado de un halo de complicidad, donde el artista urbano adopta el papel de confidente convirtiéndose en el guia de unos ojos que debido a los avatares de la edad (89 en el momento del estreno) se están quedando ciegos.


DE GODARD A BUÑUEL COMO DISCURSO VISUAL VITAL

En este recorrido de retorno donde aflora la entropia y el sentimentalismo Agnes en un acto de regresión homenajea a su admirado Jean-Luc Godard, para reencontrarse con el pasado artístico de ambos en un ritual, para eso reproduce una de las escenas mas memorables Band of Outsiders, ambientada en una de las salas del Museo del Louvre y donde en clave de parodia la vuelven a registrar pero esta en vez en silla de ruedas.

Tono ameno o directamente humor negro que se repite en varios momentos a lo largo de la cinta, como en la secuencia en la que acuden al oftalmólogo para recibir los resultados de unas pruebas, y emulando El Perro Andaluz de su admirado Buñuel arrebata una aguja que hay sobre la mesa y en un ataque de coprolalia amenaza con cruzarse el ojo.

Y es que una iconoclasta como Agnes autora de títulos como Le Boheur (1965), Lions Love...and Lies (1969), Vagabond (1985) o The Beaches of Agnes (2005), el sarcasmo representa el mejor antidoto a la hora de conjurar y desafiar todo lo bueno o malo que pueda deparar el porvenir.
 
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Candidata al Oscar en el apartado de mejor documental Faces and Places, representa un canto a la vida tanto pasada como presente, donde sus autores prescinden de lo accesorio de la nostalgia, para quedarse con  lo familiar y cercano de las miradas y gestos de decenas de personas anonimas que a través de la mirada se proyecta como un paisaje a través de la memoria.