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Anastasia Parmson, el espacio ilustrado como memoria


La delicadeza es un término que a mi particularmente me provoca una inmediata emoción cuando se aplica al arte. Esto que en ocasiones puede ser considerada una apreciación totalmente subjetiva que tiene que ver con una percepción personal.


En otras oportunidades es un criterio compartido que inspira a muchas personas. Una de las combinaciones de "colores" cuyo resultados suelen transmitir cierto grado de delicadeza, suele ser dos, el blanco y el negro. Dos colores tan básicos como neutros, que por separado no se suelen utilizar. Pero que cuando se combinan, independientemente del contexto suelen dar buenos resultados, e incluso suelen resultar elegantes.


Algo que aunque parezca que en una primera impresión carezca de mérito aproximandote más a una sencilla caricatura, sobre todo si estamos mirando los trazos rectilineos de un dibujo que se extienden sobre la superficie de un papel. Experiencia que en la mayoria de las ocasiones nos resulta cuando menos poco enriquecedora dejándole de prestar atención al instante.


Si suele suponer un aliciente extra si lo que se expone ante nuestros, se presenta de forma bidemensional, este cambio de perspectiva en relación a su plano e lo que proporciona a la obra propundidad. Cualidad está que bien tratada en términos creativos por el artista. Suele suscitar cierto grado de curiosidad en el que se detiene a verla.


Ya que está profundidad suele venir acompaña de una recreación más rica en matices que un simple dibujo sobre un papel o un lienzo, por muchos motivos que añada información sobre lo que se pueda estar representando en la obra. Esa diferencia cobra notoriedad si el objeto de la narrativa sobre el que se trabaja es una obra arquitectonica, con sus estructuras y medidas espaciales tridemensionales.


Donde debido a la relacion de cotidianidad que hemos establecido con el espacio que denominamos hogar, provoca que por defecto nos atraiga más una obra (que independientemente del formato en que esté realizada.) Si lo que refleja (en este caso una representación, ya sea de la fachada exterior de un edificio o de sus elementos interiores.)

Aunque de épocas muy dispares, los objetos pierden su antigüedad pareciendo de una misma etapa

Cobra vida y movimiento desplegando más de una dimensión sobre el lugar que se ha elegido para su exhibición. Si a estas consideraciones en el proceso creativo le añades la sutileza de la luz, puedes lograr que el destinatario último de tu creación (el espectador), pueda abstraerse por un momento de la realidad en la que se encuentra instalado y sumergirse en un estado de ensimismamiento y asombro.


O en otro sentido puede dejarse llevar por sentimientos vinculados con su trayectoria vital y seducido por la nostalgia, recuperar a través de la obra expuesta algún momento preterito. Que ya forme parte de alguna situación o episodio de la que ha sido testigo recientemente, o por el contrario de algún pasaje que anidado en los más profundo de su memoria aflora retrotrayendole a un momento más o menos reciente en su vida.

Segun la artista Anastasia Parmson con sede en Sydney.  Sus representaciones casi minimalistas de los diferentes espacios habitacionales que pueden formar un casa arquetipo, se apróximan mucho más a este segunda version. Ya que según ella cada una de las delicadas piezas que completan su hogar dulce hogar, estarína más próximas a indagar en la nostalgia que siente un individuo respecto a su pasado.


Aunque no se trata de obras inmersivas, cada instalación de Anastasia, si funciona como una maqueta con la que deseas interactuar dentro de las posibilidades que te ofrece el espacio.


Concretamente en el poso de recuerdos y vivencias acumulados por una artista nacida en un país que presenta unas dimensiones geograficas relativamente pequeñas como es Estonia. Una de las tres ex-repúblicas ex-sovieticas que se encuentran en el mar Baltico. País del que está artista con raíces siberianas tuvo que marcharse, formándose artísticamente en Paris.

Ciudad que tras varias escalas finalmente fue sustituida por la ciudad australiana donde reside en la que actualidad, y desde la que se ha dado a conocer. Principalmente a través de una selección de cuidadas y refinadas instalaciones a la vez que lúdicas e interactivas, a través de las que recrea fragmentos de lo que podría ser perfectamente su hogar familiar en Estonia.


Recuerdos vespertinos que plasma en formas tridimensionales que te podría por momentos recordar a las figuras de origami realizadas en papel. Si no fuera por que en sus propuestas añade el trazado de un lápiz o un rotulador. Que bien en términos inconscientes reflejan una sucesión de recuerdos que no fueron gratos a lo largo de estas primeras etapas de su vida.

En las reproducciones de Anastasia los detalles son relevantes a la hora de contextualizar la obra


Recreaciones que por otra parte incorporan todo tipo de elementos pertenecientes a lo que podría ser cualquier vivienda de la época en su país natal. Así como electrodomésticos de todo tipo, muchos de ellos prácticamente obsoletos como la clásica televisión de tubo con una pantalla cuyos ángulos levemente curvados y gris, que se complementa con objetos más vintage como un radiocasete de una pletina y doble baffle, cuyo dial todavía es manual.


Y que situado sobre una cómoda antigua con espejo y jarrón ya no desentona, como podria haber resultado en la epoca. Estancias donde predomina las vetas de los listones de madera que producto del paso de los años o décadas se convierten en las arrugas de una casa, y que contrasta con las muestras de vegetación que ya se muestren parasitanndo un rincón en el fondo del salón-comedor, o acompañando a objetos decorativos en estantes.



Construidas en madera la recreaciónes ilustradas de las partes interiores de un hogar de la Anastasia Parmson, crean una narrativa donde la memoria nos vincula al espacio que habitamos en algún momento de nuestras vidas.


Que en conjunto crean un micro-universo al que añade una colección de marcos con fotos y cuadros, que aunque apenas perceptibles en sus formas al ojo humano. Si contribuyen a la hipertextualizacion de la instalacion aportando la suficiente información para que como espectadores nos pongamos en contexto historico al respecto de lo que se nos está mostrando.


Efecto retroactivo donde acentúa aún más si cabe su faceta de ilustradora, que también es análogo en sus obras más intimistas. En las que se recrea en la reproduccion de piezas que abarcan todo tipo moiliario. Así como se atreve con la figura humana la cual reproduce a escala natural adoptando diferentes posiciones, pero casi mostrándose de forma conciliadora con su entorno.



Su manera de afrontar la realización de cada pieza diferencia entre el arte y la ilustración, estableciendo una tenue barrera entre ambos ámbitos creativos. En este sentido la ilustración de Anastasia es una representación de la dualidad de la memoria y el espacio exogeno-endogeno del que se nutre. El arte, en cambio, es la expresión de algo interiorizado, menos tangible y más subjetivo. Por lo tanto ella esta facultada para cruzar ambos campos, porque el medio de dibujo es también una de las principales herramientas utilizadas para la ilustración. 

Simon Laveuve, refugios distopicos para después del apocalipsis


Elevados sobre fragiles pilares las miniaturas del artista Simon Laveuve, ya sean refugios inaccesibles u otro tipo de objetos cotidianos como coches que parecen que han sido rescatados de un desguace cuando iban a ser convertidos en solidos bloques de acero.


No dejan de proyectar una poetica de la realidad con la que nos relacionamos en la actualidad, quizas esa percepción bohemia de estas miniaturas en descomposición este inducida por los detalles con los que Simon customiza sus piezas, como por ejemplo grafittis que describen momentos que de forma inconsciente te traslada a momentos de tu vida.


Un juego de vajilla que tras ser reciclado de una vieja casa de muñecas acaba formando de una pieza titulada The Navigator (2020), una versión post-apocaliptica de lo que su autor denomina refugios, y que mas bien podria interpretarse como una base petrolera que ha sido convertida en un parque tematico.


Que aislado en la bruma de la noche forma parte de un paraje surrealista. Percepcion onirica que vuelves a experimentar en la maqueta titulada Estación 9/4, que esta compuesta por una casa de madera destartalada habitada por alguien que sufre mal de diogenes, o que abrumado por una realidad decide aislarse acompañado por miles de objetos.

En sus maquetas el mensaje esta en los detalles

Obras caracterizadas por una sociedad donde casi es imposible distinguir entre información y ficción, formando una sintesis excesiva y confusa, que conduce al ocupante a una nemesis por el que opta por crearse un refugio. Priorizando aquellas cosas imprescindibles que le garanticen la supervivencia.


En un entorno cada vez mas hostil como son los viveres, o un minimo de mobiliario como una silla de jardin embardunada de hollin y que pese a su estado de avanzado deterioro destaca entre los  depositos de basura que combinados con los bidones oxidados por el hollin y la escasa vegetación.


Las piezas del artista Simon Laveuve, miniaturas hechas con materiales de reciclaje, describen lugares que son producto de explotar un imaginario distopico y elementos propios de la cultura de ficcion mas thrash. 


Que dispuesta de forma sutil dotan al conjunto de un aspecto que se podria ser definido por una combinación de estetica friki muy cutre y una atmosfera barroca muy decadente e inquietantes. En otras propuestas Simon apuesta sin embargo por ofrecer una versión mas amable e incluso lúdica de la realidad.


Donde el autor apuesta por practicas artisticas cercanas al pestiche y la artesania para abordar la exploración del rendimiento del reciclaje de objetos procedentes de muy diferentes naturalezas, con el pretexto de crear arquitecturas distopicas a una escala reducida y en ocasiones minimalistas.

Simon se inspira en su entorno más próximo, una realidad que después customiza

Como en L´Envol tambien de 2020, una pieza casi suspendida en el aire donde se representa una escena donde lo kafkiano y un particular sentido del humor, crean una escena protagonizada por un personaje que vestido con idumentaria de camuflaje incluido pasamontañas, vuela una cometa mientras asciende por una escalera de hormigon que apenas se sostiene en un armazon de acero.


Realizando una lectura de la realidad que navega entre el caos y la lirica, binomio que establece el artificio como elemento enigmatico a ojos del que tiene que agudizar la vista para apreciar sus obras, unas obras en las que este fotografo de formación que crecio en Paris donde trabajo en diferentes ambitos profesionales.



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Hasta que decidio aplicar estos conocimientos de composición incorporandoles  una serie de simbolismos y movimientos teatrales cuyas figuras centrales giran alrededor de temas como el habitat y la capacidad de adaptación, un enfoque cuyo relato emana de su trayectoria profesional. Asi como de sus experiencias residiendo en las ciudades dormitorio que en el extraradio de la capital Francesa, en las que paso buena parte de su infancia, etapa que sin duda ha influenciado en su obra con la que ha creado un Universo muy particular y seductor.

 



Asombrosa maqueta de distrito de de Shinjuku en Tokio hecha en papel


Considerado el centro administrativo y comercial de la ciudad de Tokio el distrito de Shinjuku, destaca por el perfil de su skyline, siendo el resultado de las decenas de rascacielos levantados principalmente en los últimos setenta años. 

Y cuya postal se podria comparar con la de cualquier otra gran ciudad del mundo (principalmente Norte Americana). Caracterizado por un paisaje donde los edificios de acero y cristal parecen competir por elevarse un metro mas uno por encima del otro. 

Se trata de un ecosistema social y económico, donde en como en otros muchos lugares similares tiene como principal actividad la economía basada en valores financieros, cuyo motor principal el la bolsa de valores bursatiles. 

Operaciones que han pasado a un lugar muy secundario en la representación a escala que realiza el diseñador Toshi, especializado en realizar figuras de origami y que ha trasladado esta técnica milenaria a un contexto urbano, reproduciendo parcialmente este distrito de Tokio.


A la maqueta no le falta ningun tipo de detalle


Minucioso trabajo de ofebreia que apenas ocupa una superficie de sesenta y tres por ciento diecisiete centimetros. Exiguas medidas que añaden mas mérito al grado de representación de todos y cada uno de los elementos que se pueden apreciar con mas precisión en el video que ha filmado y que se puede ver en su canal de Youtube.

Un proyecto en el que su autor ha invertido cientos de horas realizando la decena de miles de pliegues, con los que ha representado arquitectónicamente la elevada densidad de edificios de un distrito dominado por estos colosales edificios, cuya sucesión interminable parece inabarcable para el ojo humano.


La maqueta del distrito de Shinjuku en Tokio reproduce fielmente, minuciosa y de forma casi hiperrealista las diferentes construcciones que  forman parte del principal distrito financiero de la capital japonesa.


Pero que reproducidos a una escala de 1/2200 parece tan accesible y a la vez que tan fragil, pudiendose recorrer con la vista todas y cada una de las calles, tanto las secundarias como las vias principales. Y que como espectadores hemos visto tantas filmadas en multitud peliculas como por ejemplo Lost in Translation, por citar la primera que se me viene a la cabeza
.
 
Vista desde arriba, a vista de pajaro, la maqueta y todo el trabajo que implica impresiona todavía mas


Un buen puñado de manzanas que aunque parezca lo contrario no nacieron de la nada, de hecho el actual distrito que exhibe algunos de los edificios mas altos del mundo. En el mismo en el que actualmente hay censados 3.000.000 de personas, mas los cientos de miles de trabajadores y visitantes que se acercan para realizar alguna compra ocasional.


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Todavia se pueden encontrar algun vestigio de algunos de los muchos templos de la epoca Edo que colonizaron la zona entre los siglos XVII y XVIIII. Y que poco a poco fueron cediendo su espacio. Siendo sustituidos por un urbanismo cosmopolita que le ha convertido en ejemplo y paradigma para numerosas ciudades en muy diferentes zonas geograficas y contextos socio-politicos en el mundo. 


Material Immaterial - Spaces


A partir de un único volumen que presenta las mismas medidas (62x62x51 mm), el estudio de diseño Material Inmaterial con sede en la ciudad India de Mumbai. Desarrolla diferentes estrategias en las que el espacio y su tratamiento.

Sirven como matriz a partir de la que urbanizar un lugar especifico utilizando una tipología estándar, representada en una maqueta que dependiendo de como se ubique y la orientación que adopte interviene sobre el paisaje. Mostrándonos las casi infinitas combinaciones que se pueden realizar a partir de geometrías simples.


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SPACES plantea la posibilidad de desarrollar diferentes variaciones en la ejecución de un mismo diseño, utilizando un código elaborado a partir de patrones universales.

Jeff Friesen - Ghost Train Crossing Canada, maqueta ferroviaria inspirada por los paisajes de Canada

Cuando finalizamos un viaje cuyas experiencias nos han enriquecido, lo normal es que en los días posteriores lo evoquemos, cuando nos reunimos con amigos, o a través de las innumerables colecciones de fotos que realizamos de los lugares que hemos visitado.

O cómo es cada mas habitual reunirlas en función de una diversidad de criterios y tras etiquetar las subirlas a la nube, colgándolas en una de las muchas aplicaciones que existen en la actualidad como por ejemplo Instagram. Espacios digitales que te permiten tus experiencias con miles de usuarios, que presentan gustos afines.

Sin embargo el fotógrafo Jeff Friesen tras catalogar la totalidad de las magnificas instantáneas de los paisajes que había descubierto en su viaje por Canada. Descubriendo algunos de los mas excepcionales paisajes que se pueden visitar en regiones del Yukon, Alberta o Labrador


Inmediatamente comprendio que eran las candidatas idóneas para tras manipularlas con la ayuda de programas de tratamientos de imagenes, darles el  suficiente volumen como para transformarlas en maquetas tridimensionales. Cuyos accidentes geográficos fueran los más fieles a los que registró  en sus fotografias.


Ghost Train Crossing Canada es una serie de maquetas, donde lo lúdico y creativo se mezclan con paisajes salvajes donde la presencia del ser humano todavía es anecdótica


Siendo esta actividad otra de sus grandes pasiones y que combina con profesión como fotografo. Hobby, que según el viene de cuando adquiria modelos a escala, que coleccionaba desde su infancia y entre las que casualmente conservaba un modelo del tren original todavía en servicio el California Zephyr, que operaba desde Montreal a Vancouver cubriendo el trayecto desde estado que le da nombre recorriendo buena parte de su territorio hasta llegar a la frontera de Canada.

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John Davies crea la banda sonora del paisaje arquitectónico de Manhattan


Realizadas a partir de la longitud de onda de sonido correspondiente a la amalgama de sonidos y géneros, vinculados a la ciudad de New York. Las maquetas que componen la colección The Physical Sounds of Manhattan, es un homenaje a la tradicción musical de la ciudad.

Acompañado de un disco grabado por su autor el artista John Davies, en el que se puede escuchar una selección de las variaciones de cada pieza interpretada. La cartográfia de cada miniatura fabricada en metacrilato grabado con láser, representa el paisaje sonido de cada distrito de la ciudad en función de sus características y paisaje arquitectonico.

Además cada melodia hace referencia a
 una época concreta, trazando una mapa en 3D que refleja su historia a través de su música y de las transformaciones sociales aparejadas. Conformando un viaje sentimental en el que se combina la arquitectura y sus manifestaciones artísticas.

La experiencia que obtienes y la lectura que realizas como expectador, es de que la practica arquitectónica está influenciada por una serie de factores. Que van más allá de la actividad relacionada con la arquitectura como disciplina.

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  Soundscape es un proyecto que aborda el relato de cómo influye la música a la hora de contemplar el diseño y construcción de un futuro edificio formando parte de su identidad.  En un mundo donde la música se ha convertido en la banda sonora de fondo de nuestras vidas.



Kolkoz - Form Scratch, kit constructivo inspirado por Jean Prouvé



Formando parte del amplio programa de actividades de la ultima edición del Art Basel que se ha celebrado durante este verano. El proyecto interdisciplinar llamado Form Scratch.  

Su propueta exploraba desde diferentes enfoques la aplicación de herramientas para un modelo de sociedad en constante movimiento, donde lo flotante y efímero se convierten en su constante. Asi como investigaba las posibilidades y rendimiento del espacio.

Presentadas por el estudio de diseño Kolkot, esta singular solución constructiva esta formada por una serie de plantillas troqueladas, las cuales sirven para formar las diferentes partes de una vivienda, modelo poco invasivo que presenta una diversidad de tipologías arquitectonicas. 



Las piezas como en un juego se montan y desmontan siguiendo unas sencillas instrucciones, hasta construir un edificio cuyo  volumen de aspecto provisional, ofrece una serie de servicios mínimos que permiten su habitabilidad.


Estos kits inspirados en La Maison des Sinistrés, la icónica casa que diseñó en 1945 con Jean Prouvé. La casa de los que se presento un prototipo,  todos los elementos que componen una vivienda, tanto estructurales como el mobiliario de la misma. Siendo un estándar arquitectónico.


Benjamin Moreau y Samuel Boutruche de Kolkoz, han recreado a partir de su experiencia trabajando en videojuegos e imágenes digitales los elementos de la casa como un panel de madera plano. Su propuesta es a la vez una interpretación divertida de la estructura de la casa y un documento clínico de sus elementos.


Al final de la guerra, Jean Prouvé comenzó a diseñar casas temporales para las personas sin hogar en las ciudades francesas de Lorena y Franche-Comté. Depurando su marco de portal axial ya patentado. Con un área de treinta y seis metros cuadrados, medida estandar establecida,por el Ministerio de Reconstrucción y Urbanismo, la casa se dividia en tres habitaciones inmediatamente habitables el día del ensamblaje. Esto significaba que estas familias de campo no tenían que mudarse mientras se estaba construyendo. Diseñados para ser montados rápidamente en los sitios de casas destruidas y, si es necesario, desmontados y trasladados a otro lugar.

Se trataba de casas constuidas por componentes ligeros y prefabricados de metal y madera. A la estructura de acero se le añadia paneles de madera simples y estandarizados. El techo era de carton corrugado recubierto de betún. Jean Prouvé eligió este principio constructivo con vistas a su aplicación a situaciones de urgencia social.


Un modelo artistico desarrollado a partir de una concepción de modular de su diseño, y donde el proceso de construcción podria servir para su aplicación a dinamicas sociales instaladas en la urgencia facilitando su movilidad, ofreciendo productos accesibles y asequibles, garantizando su traslasdo a cualquier lugar en el menor tiempo posible.





Nina Lindgren - Floating City, ciudades de cartón sobre Islas flotantes


La posibilidad de habitar en comunidades flotantes en el espacio, megaciudades interestelares construidas artificialmente para albergar comunidades de cientos de miles de habitantes, con las que colonizar otros universos. 

Es un anhelo y escenario que se ha representado innumerables veces a través de narrativas alimentadas por la ficción y de las que  se nutre el imaginario colectivo. Un mecanismo de evasión al que se ha recurrido infinitas veces para tratar de vislumbrar como seria habitar otros mundos mas allá de nuestra vía láctea.

La artista Nina Lindgren se inspira en la iconografía y diseños de una de las primeras y mas emblemáticas producciones de cine dedicadas al genero de la ciencia ficción como es Metrópolis obra iniciativa de Fritz Linz. Para describirnos su propia versión de los hechos.


Su propia interpretación de lo que sería abordar el colonizar un planeta en principio desconocido, inhóspito y hostil para los seres humanos. Y de como sería la major manera de abordar este desafío desde una perspectiva adaptativa, contemplando este paso evolutivo en la historia de la humanidad desde  una óptica subjetiva.

Realizado con laminas de cartón refrzado, las arquitecturas en las que se basan la ciudad de flotante de Floating City. Sin embargo poco o mejor dicho nada tiene que ver con la imagen futurista que transmiten las películas, siendo por el contrario de formas muy reconocibles e incluso se podrían consideradas cotidianas.


La escultura se expuso por primera vez en una galería de arte de Copenhague en la primavera de 2014. Cuando el evento llegó a su fin, la escultura no aparecía por ninguna parte. Aún no está claro qué ocurrió realmente; si fue robada o simplemente tirada a la basura. Por lo que se volvió a construir. No son visualmente idénticas en los detalles, pero no deja de ser la misma obra de arte: fue reciclada y renació.


Producto de los viajes realizados por Nina, ella se inspiró en estilos como el Brutalismo y su estética sobria y texturas y geometrías contundentes. Conjunto de propiedades que traslado y represento en un volumen producto de la forma arquitectonica que funcionarían como islas autónomas, las cuales podrían permanecer en un mismo sitio por un determinado intervalo de tiempo o  desplazarse en el espacio en busca de un nuevo destino en el que prosperar.



El artista Chris Spollen, reproduce en clave artística prototipos fallidos


Cuantas veces hemos imaginado que viajábamos en el tiempo, u orbitabamos alrededor de la luna. O buceábamos en las profundidades descubriendo los restos del Nautilus que aparecía en 20.000 leguas de viaje submarino.

El ilustrador y artista Chris Spollen, realiza un trabajo mas elaborado se cabe. Donde el fetichismo y la arquelogia constituyen su pasión por el diseño de todos aquellos prototipos, que a lo largo de la historia se han construido. Pero que por diferentes razones nunca han llegado a ser comercializados entre el gran publico, provocando en muchos casos un autentico descalabro entre sus inventores. 

Reproducidos mediante ilustración o a escala en maquetas. Cada trabajo viene precedida de un arduo trabajo de documentación, cuyos resultados Chris recrea de forma artística. Con lo que consigue piezas que combinan la estética surrealista que suscita la imaginación, y una labor didáctica de divulgación a través de lo que recupera proyectos en muchos casos olvidados.

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Amy Casey - Down Roots, en busca de la ciudad tras el tsunami


Las pinturas que forman parte de la serie titulada Down Roots (echando raíces) realizadas por la artista con sede en la ciudad americana de Cleveland Amy Casey, nos muestra una ciudad que se urbaniza a partir de una combinación de formas orgánicas.

Y donde su materia biológica es sustituida por materiales artificiales. Realizando trayectorias caprichosas que incitan a perderse en un laberinto formado por cientos de calles y edificios apilados, adoptando una arquitectura de efecto masivo.

Que monopoliza la atención del espectador, posición activa que le introduce en el intricado callejero formado por planos superpuestos. Que recorre con la imaginación buscando una salida de la ciudad flotante al borde del colapso.


En el vídeo que completa la serie y que se puede ver integramente AQUI, invoca al arte como terapia para enfrentarse a las catástrofes inevitables a las que todos nos expuestos alguna vez durante nuestra vida. 


El tsunami del Océano Índico de 2004, por ejemplo, cuyo dramático episodio la afectó profundamente, debido a que tenía amigos en Tailandia en esos momentos. 

Aparte nos muestra el minucioso proceso de elaboración de cada lamina en la que utiliza fotografías de edificiós, mediante las que Casey representa pequeñas ciudades imaginarias. Reconstruyendo un paisaje cercano con el que se relaciona y a través del que visibiliza las vulnerabilidades humanas.