La Fabrika de Toda la Vida, de cementera a centro cultural auto-gestionado


Tras cuarenta años de abandono las instalaciones en desuso de una vieja cementera volvieron abrir sus puertas, pero en esta segunda oportunidad con un propósito diametralmente opuesto para el que en principio habían sido concebidas.

Situada en las afueras de la localidad extremeña Los Santos de Maimona, los edificios en estado de ruina fueron saneados y restaurados esto sucedía en 2.011, gracias a la iniciativa emprendida por miembros de la comunidad local. Que ante el déficit de equipamientos decidieron poner en marcha un centro de que cubriera las necesidades de los pueblos de la comarca.

Abarcando una variedad de actividades gestionadas por ellos mismos en colaboaración con la administración publica, que aporta una parte sustancial de los recursos. Bajo la denominación de La Fabrika de Toda la Vida su aspecto original se ha modificado muy poco en relación a la estructura original conservando buena parte de su arquitectura, con los silos ya en desuso al fondo.

Siendo testigos de esta nueva etapa donde se han cambiado los usos para los que fueron diseñados y que en la actualidad se destinan para realizacion de representaciones, salas de ensayo o talleres abarcando un amplio abanico de posibilidades en las que el factor humano se convierte en la pieza angular de su gestion y el desrrollo de todas y cada una de las propuestas que se presentan en asamblea. 

La Fabrika de Toda la Vida Cuyo calendario focaliza su atención en ofrecer recursos a partir de los que sus participantes puedan intercambiar experiencias y conocimientos enriqueciéndose mutuamente, fortaleciendo un tejido social que se nutre de la sabiduría popular.

Relacionado: Watertower, una torre del siglo XIX produce energía en el siglo XXI


Seminarios, encuentros y talleres entre otras muchas actividades definen un proyecto, que trabaja desde el ámbito rural gestionando y cohesionando su tejido social y territorial


Crean nubes solares esféricas que producen y almacenan energía

Dos de los inconvenientes que impiden que a día hoy la energía de origen solar, se haya convertido en la principal fuente de obtención de recursos energéticos. 

Tienen que ver con las dificultades que presentan todavía las baterías de almacenamiento de energía que pese a los importantes avances en su desarrollo tecnológico, todavía no garantizan su total aprovechamiento suponiendo su adquisición un desembolso que encarece mucho su uso. Y por otra parte las condiciones climatológicas adversas que impiden obtener rendimientos energéticos elevados, lo que provoca un efecto disuasorio en muchos consumidores.

Estas dos contingencias se podrían corregir debido a los esperanzadores resultados obtenidos por un equipo investigadores dirigidos por Jean-François Guillemoles perteneciente NextPV y el French National Center for Scientific Research and the University of Tokyo. Que han desarrollado un prototipo de captación de radiación solar en altura, que almacena el excedente de energía en unas celdas que la transforman en hidrógeno. 

Estos dispositivos se comportarian como nubes solares que evitarian las zonas de sombra, mediante un sistema que adapta su altura en función de la presencia de nubes.  Garantizando la producción regular de energía solar orientando las esferas en función de la posición del Sol.

La energía sobrante se acumularia en una batería de fuel que mediante electrólisis produciria en un tanque que contiene oxigeno, obteniendo hidrógeno que se liberaría a la red electrica. Esta nueva tecnología requiriria poca inversión en mantenimiento por lo que ya ha suscitado el interés de compañias como Google.

Relacionado: Ruckus Solar Bluetooth, sistema de sonido solar por bluetooth


El sistema de esferas que podría operar alcanzando una altitud estimada de alrededor de 6.000 metros de altura, produciría energía in situ aprovechando el máximo de rango solar



Buskeroo, una aplicación para fans de la musica urbana y callejera


Estamos asistiendo a la revalorización del espacio publico, como medio desde el que diferentes expresiones artisticas convergen. Ofreciendo una variedad de actividades las cuales suscitan cada mas interes entre un publico heterogeneo.

Que concibe el espacio publico como un lugar de ocio. Que cada fin de semana consulta haciendo uso de las redes sociales, donde y cuando actuara o intervendrá su artista favorito. 

En este fenómeno relativamente nuevo la información proporcionada por las herramientas digitales esta modificando los habitos culturales y de ocio de millones de personas. 

Que optan por invertir su tiempo libre en asistir a espectáculos nómadas o casuales, que tienen como escenario diferentes localizaciones dentro del paisaje urbano de las ciudades.


En este contexto de transición social se ponen en circulación aplicaciones como Buskeroo, una sencilla app cuyo funcionamiento permite registrarse tanto a usuarios como artistas. Facilitando de forma inmediata de información sobre las actividades programadas en ese preciso instante.

Eventos que en la practica totalidad de los casos tienen caracter gratuito, poderoso argumento que supone un aliciente para sus usuarios. Que se reúnen para asistir a conciertos ofrecidos por solistas o formaciones de grupos en una diversidad de localizaciones dentro de la ciudad.

RELACIONADO: Dario Rossi convierte la calle en música que tocar



Dirigida a músicos callejeros Buskeroo crea un vinculo directo entre el músico urbano y sus seguidores, utilizando entornos digitales. A través de los que se comparte información sobre eventos relacionados con los músicos que actúan en el espacio publico.

El artista urbano Okuda cubre con un gran mural una iglesia


No es la primera vez que os hablo del colectivo de Skate de La Iglesia en la localidad Asturiana de Llanera, que tras adaptar una iglesia en estado de abandono acondicionándola para la practica del Skate conservando la estructura original.

Intervención que la convirtió en un centro especializado en la practica de un deporte de carácter urbano, y cuya arquitectura compuesta por una nave central y una asombrosa bóvedaAdemás ha servido como argumento y lienzo para realizar una intervención de arte urbano, que cubre la practica totalidad de la nave central a lo que hay sumar el resto de las estancias que componen este magnifico templo.

Estructura que en términos arquitectónicos presenta un excelente estado de conservación por lo que durante la primera mitad de 2015 se decidió acometer este proyecto de carácter colaborativo, con el objetivo de crear un espacio de ocio destinado a los jóvenes de la comarca. 

COMO LA CAPILLA SIXTINA PERO BAJO LA INFLUENCIA DEL POP ART

Convirtiendolo en el lienzo idóneo sobre el que el artista urbano Okuda ha realizado su propia interpretación de la Capilla Sixtina de Miguel Ángel, al menos en cuanto a la superficie intervenida, muy similar a la que se puede admirar en Roma.

En este caso las referencias a los textos bíblicos han sido sustituidos por motivos y un estilo inspirado por el Pop Art, dominada por una amalgama de colores vivos que sirven  para cubrir el interior de los trazos de los patrones geométricos que cubren la totalidad de sus muros y vidrieras. 

Contribuyendo a crear un ambiente lúdico  acorde con las actividades del lugar que en la actualidad se celebran en el recinto, potenciando la iluminación natural que se proyecta en su interior, y creando una atmósfera febril y excitante que invita a deslizarse con el skate.

Aparte de los botes de aerosol para este increíble mural que puede percibirse como un mapa cerámico o una vidriera de las que apenas quedaban, cuando los miembros del colectivo decidieron actuar, evitando que este templo se arruinara. Caso que no es ni mucho aislado afectando a otras poblaciones donde debido a la inmigracion se han abandonado muchas parroquias.

Este tipo de intervencion ayudan a expresar a sus autores una diversidad de emociones, actúando como válvula de escape a través del que compartir la rabia, el miedo o las muchas frustraciones que experimentamos a diario. Manifestaciones colectivas, que pueden ayudarnos a reducir esos sentimientos un poco. También expresan nuestra esperanza y reverencia colectivas.


Relacionado: Church Brigade convierte una iglesia en una pista de skate

Finalizada al final del año 2.015 los trabajos debido a su embergadura supusieron mas de dos meses de trabajo entre la preparación y la ejecución del proyecto.





NYC Street Trees, te permite acceder al mapa de arboles de New York

Dependiendo del contexto y las características del lugar catalogar la totalidad de especies, y el numero de arboles de un area concreta puede suponer una tarea mas o menos ardua. En el caso de New York se estima que cuenta con una masa forestal cuyo censo se situaria por encima de un 1.000.000 de ejemplares.

De los que el proyecto NYC Street Trees ha logrado mapear la nada despreciable cifra de 600.000 y sus respectivas localizaciones. Lo primero que llamo la atención a su autor Jill Hubley al cotejar los escasos datos que les proporciono la administración con las primeras tomas que le transmitían los satélites, era la disparidad de cifras y la escasez de masa forestal con la que cuenta la ciudad.

Máxime si tenemos en cuenta que la proporción en relación a su padrón seria de uno por 30 habitantes, una paridad muy pobre para contar con una de los censos mas importantes del país. A lo que hay que añadir que los diferentes distritos que componen la ciudad en la actualidad, tiene su origen en un paisaje compuesto por densos bosques.

Aunque el grueso de su población arbolea se encuentra en las grandes áreas verdes y parques como Central Park, en los numerosos trabajos de catalogación realizados por Jill a pie de calle ha podido sacar a la luz miles de ejemplares que permanecían ocultos para la administración. Habiendo sido Incorporado a una base de datos digital de libre acceso en la que el usuario podrá consultar diferentes datos relativos a su ubicación, edad, variedad y estado de conservación,

Relacionado: Urban Layers, mapa interactivo de la historia arquitectónica de New York

 NYC Street Trees es una herramienta de consulta realizada a partir de la utilización de estrategias colectivas en un entorno tecnológico.



Scarcity and Creativity Studio - The Wave


Para acceder al espacio cultural comunitario del Sitio Eriazo el visitante tiene que serpentear por una carretera que asciende, hasta lo alto de uno de los muchos promontorios que domina la ciudad costera de Valparaiso en Chile.

Una ciudad que atrae a cientos de miles de turistas cada año y que ha experimentado una transformación urbanística que ha supuesto el abandono de numerosas parcelas, como la que ocupa y en la que desarrollan en la actualidad sus actividades los miembros de la asociación Sitio Eriazo.

Que ante la falta de infraestructuras donde llevar a cabo sus representaciones presentaron un proyecto de cooperación internacional, para el diseño de un graderío interior que permitiera a sus usuarios ver sus representaciones en un entorno distendido y abierto. Diseñado por el estudio Scarcity and Creativity Studio, el anfiteatro que ocupa la mayor parte del recinto.

Inspira su forma circular en la ondulación de las olas del mar próximo. Construido en madera, obtenida de palets las gradas sobre las que se eleva The Wave dispuestas a diferentes alturas consta de una rampa en el borde exterior, que permite facilita la circulación de personas con diversidad funcional.

Relacionado: Tocando sobre un escenario construido con palets

The Wave es una intervención de rendimiento colectivo, que visualmente y estéticamente supone un tributo al paisaje que configura el lugar




Amy Goda - Dinosaurios de paja creados a escala real

La era protagonizada por esos majestuosos animales con tintes épicos que fueron los dinosaurios, siempre ha causado una atracción especial para el gran publico. Formando parte de numerosas manifestaciones culturales, desde películas, hasta comics. 


Fascinación que pese a todas las alternativas de ocio de las que disponemos a nuestro alcance como consumidores, no solamente no ha dejado de menguar, sino que ha  aumentado. Creandose una mitología a su alrededor que ha llegado hasta nuestros dias, a través de iniciativa en muchas ocasiones que se pueden  calificar de un  tanto bizarras.

Pero que en otras muchas veces se puede percibir como propuestas que no solamente se pueden definir cautivadoras estéticamente y estimulantes visualmente. Sino que reunen reunen parámetros técnicos por las que se puede  afirmar que se tratan de actuaciones realmente creativas.


Y es que la iconografía que produce la era de estos colosales seres ya extintos se aproxima casi a lo mitologico, pasando por una amalgama de productos que son consumidos de forma ávida por millones de fans en todo el mundo. La ultima propuesta de la artista japonesa Amy Goda es la realizada como culminación de la campaña agrícola en muchas zonas rurales de Japon. 


La muestra realizada al aire libres esta conformada por una serie de esculturas realizadas a gran escala que reproducen algunas de las figuras de estos mastodonticos animales que poblaron el planeta tierra hace millones de años. Realizadas con los residuos generados tras finalizar la recogida de la cosecha del arroz, las vainas trenzadas sirven como material con los que modelar cubriendo las osamentas de madera.


Como la que se lleva a cabo en la prefectura de Niigata y que sirve de excusa para celebrar el Wara Art Festival. Una cita que combina actividades lúdico-festivas con otras mas expresivas y que encargo a Amy que realizará un conjuntos de esculturas organicas, que tuvieran como mecanismo inspirador la  figura de la diversidad de especies que formaron parte de su bio-diversidad. 


RELACIONADO: Jessica Drenk, escultura simbiotica




Posterboy realiza un mural como homenaje al activista indígena peruano Edwin Chota al poco de su asesinato


Coincidiendo con las elecciones legislativas celebradas en Perú en el año 2.014, el artista urbano Posterboy se traslado para realizar un homenaje al activista defensor de los derechos de las comunidades indígenas Edwin Chota. 

Cuyas tierras están siendo amenazadas por oscuros intereses económicos relacionados con la explotación del territorio perteneciente al Amazonas peruano. Y que fue brutalmente asesinado poco antes de la cita electoral, y cuya causa tuvo oportunidad de conocer Posterboy sobre el terreno debido al testimonio del propio Edwin Chota

Con el que mantuvo un encuentro en el transcurso del cual Posterboy. Pudo descubrir en primer persona una problemática etnico-territorial. Conflicto con el que inmediatamente empatizo solidarizandose con la causa de las comunidades nativas, que habitan en el interior de la selva. 


Conversaciones que se produjeron durante un viaje donde tuvo oportunidad de conocer las delicadas condiciones en las que viven los miembros de la comunidad del Alto Tamaya-Saweto que habitan áreas de la región amazónica conocida como Ucayaly.

Expuesto en diferentes puntos de la ciudad, Posterboy sustituía los carteles de los candidatos oficiales de las vallas publicitarias. Colocando en su lugar el retrato de Edwin hasta que las autoridades se lo retiraban, reubicándolo en otro lugar.


Con el que participo en una muestra poco tiempo antes de que fuera víctima de una emboscada perdiendo finalmente la vida a manos de sus agresores, un grupo de paramiltares al servicio de los terratenientes de la zona. Con un año de retraso Posterboy dio a conocer los resultados de esta intervención cuyo objetivo es visibilizar la causa indigna a través de retratar a Edwin como un candidato por su circunscripción. Además de la problemática que como nación legítima y autotocna del Perú se ven obligados a sufrir, siendo sometidos a una persecución constante y vulneracion de sus derechos.

Poster Boy es un artista urbano residente en Nueva York cuyo verdadero nombre es Henry Matyjewicz conocido por sus intervenciones realizada con navaja. Se  ha creado una marca creativa gracias a sus obras satíricas en forma de collage, los cuales son producto de recortar y unir fragmentos de los carteles publicitarios, de los que se exponen en las vallas destinadas a productos publicitarios, modificando su narrativa original por un significado politico-social. 

RELACIONADO: Andreco - Muro living


Michelle Hartney - Mother's Right, una obra activista cuya herencia fue censurada

Fruto de una experiencia traumática relacionada con la precaria asistencia que le proporcionaron los servicios sanitarios en su reciente maternidad. La artista con sede en Chicago Michelle Hartney metaboliza esa frustración.

Mediante la performance titulada Mother's Right. Una intervención emotiva y que tiene como principal propósito provocar la reflexión en el espectador sobre un tema tan común como delicado como es la maternidad, un acto intimo que la artista trata para crear un discurso reivindicativo.

De carácter participativa tuvo como escenario la fachada principal de la institución sanitaria donde alumbro a su hijo.  Desarrollada a lo largo del mes de Septiembre de 2015 y en una segunda convocatoria en Febrero de este mismo año.


Se trata de acción que denuncia el incremento en las tasas de fallecimiento neo-natal que se están observando en la ultima década en los hospitales de todo el estado americano de Illinois. Que cuenta con una de las administraciones con más presupuesto del pais. 


Compuesta por 1.200 batas  colgadas en un perchero situado sobre la acera. Simbolizan a las todas y cada una de las victimas fallecidas debido a los recortes y la pésima asistencia sanitaria que reciben las clases mas desfavorecidas de la población, en un país que supuestamente dispone de los últimos, avanzados y mas completos programas de atención sanitaria del mundo.

Con el propósito de mostrar su compromiso con sus, varios pares de personas se pusieron de pie uno frente al otro doblando los vestidos en triángulos; similar a la forma en que se dobla la bandera estadounidense en el funeral de un soldado. La tradicional ceremonia de plegado de la bandera incluye doce pliegues simbólicos, el noveno pliegue simboliza la feminidad. 

Estas batas de hospital han sido cortadas a una longitud que permite que la tela se detenga en el noveno pliegue. Las batas plegadas representan no solo a las personas 1200 que murieron durante el parto en los Estados Unidos en 2013, sino también a las que han sufrido abusos a manos de obstetras y enfermeras, y para el creciente número de personas que están siendo diagnosticadas con TEPT (transtorno de estrés postraumatico) posparto después de dar a luz. 

RELACIONADO: House of Vans, Skate en el subsuelo de Londres


JUMP INTO THE FUTURE:

In March 2023 Hartney had her work removed from a group exhibition on abortion, Unconditional Care, organised by Lewis-Clark State College, based in Lewiston County, Idaho. She was one of the six artists whose work was withdrawn.  Specifically, the piece that was censored is part of the series entitled Unplanned Parenthood, which is based on one of the 250000 mothers who wrote to the founder of Planned Parenthood, a selection of which were included in the book Motherhood in Bondage by Margaret Sanger, published in 1929. The censored article incorporated one of these original handwritten letters.


ALSO IN SPANISH:

En Marzo de 2023 a Hartney se le retiro la obra con la que participaba en una muestra colectiva que trataba sobre el aborto, que bajo el título de Unconditional Care se había organizado Lewis-Clark State College que tiene su sede en el condado de Lewiston, Idaho. Siendo una de las seis artistas a las que se le retiro una obra.  En concreto la pieza que fue objeto de censura forma parte de la serie titulada Unplanned Parenthood que gira alrededor de una de las 250000 madres que escribieron a la fundadora de Planned Parenthood, de las cuales selección fueron recogidas en el libro Motherhood in Bondage de Margaret Sanger publicado en 1928. El artículo censurado incorporaba una de esas cartas originales manuscritas.

Nomadic Museum combina arquitectura ecológica y la fotografía viajera de Gregory Colbert


Aunque su diseño y estructura varía en función de las características del lugar donde se va a ubicar. El Nomadic Museum es un concepto que como su propio nombre sugiere.

Ha sido concebido para exhibir muestras artísticas realizando escalas de forma itinerante. En este caso el proyecto es fruto de la colabaroción del diseñador su creador Shigeru Ban y uno de nuestros fotográfos naturalistas favoritos Grecory Colberty, que han concebido un espacio versátil cuyo impacto visual obedece a criterios medioambientales.

Construido con contenedores de carga y elementos estructurales y decorativos elaborados a partir de la utilización de cartón y papel, además de la tornilleria y algunos elementos fabricados en plástico orgánico. Nomadic Museum tiene como propósito mostrar al gran publico una muestra de la dilatada obra  de Gregory en un entorno diseñado a partir de criterios sostenibles.

Relacionado: Gregory Colbert/Ashes and Snow


La muestra nómada que ya han tenido la oportunidad de ver en ciudadeses como Venecia, New York o Tokyo. Es el resultado de fusionar una practica arquitectónica con criterios medio ambientales y valores culturales, en una muestra compuesta por una selección exclusiva de fotografías del autor siendo completada con contenidos multimedia, creando una atmósfera inmersiva donde el visitante se convierte en parte activa.